Sarah Bernardt
Sarah elle-même a usé de ses charmes à ses débuts pour se faire une situation, comme l'indique son inscription dans le « fichier des courtisanes » établi par la Préfecture de police de Paris.On ignore en revanche qui était son véritable père, Sarah ayant longtemps gardé le silence sur son état-civil. Elle eut au moins trois sœurs et souffrit en particulier longtemps de la préférence de sa mère pour sa jeune sœur Jeanne-Rosine, également comédienne. Dans le but de prouver sa citoyenneté française, condition nécessaire pour pouvoir recevoir la Légion d'honneur, elle se créa plus tard un faux acte de naissance en se déclarant fille de Judith van Hard et d'Édouard Bernardt qui selon ses différentes versions appartenait à une riche famille d'armateurs du Havre, ou y était un étudiant en droit. Certaines sources évoquent un officier de marine havrais, du nom de Morel.

Délaissée par sa mère qui choisit la vie mondaine à Paris, elle passe une petite enfance solitaire chez une nourrice à Quimperlé où elle ne parle que le breton. Le duc de Morny, l'amant de sa tante, pourvoit à son éducation en l'inscrivant dans l’Institution de Mlle Fressard puis en 1853 au couvent des Grand-Champs à Versailles où elle reçoit le baptême chrétien : la petite juive y suit des cours de sculpture, peinture (elle décrochera à seize ans un prix à l'Académie des beaux-arts) et verse alors dans le mysticisme catholique. Jouant un rôle d’ange dans un spectacle religieux au couvent, l'adolescente révoltée trouve sa vocation, le théâtre


C'est sans l'ombre d'un doute sa grande passion, elle l'aime autant que sa propre vie, et il le lui rend bien ! Sa renommée de comédienne va promptement devenir internationale. De nombreuses épithètes élogieuses lui sont décernées : La voix d'or, la divine, l'impératrice du théâtre. Elle vivait pour éblouir et magnétiser le public. Parmi les critiques de son temps, ses détracteurs purs et durs furent plutôt rares, donc, effectivement, tout cela peut nous amener à penser que le succès phénoménal que le public lui prodigua ne fut pas intégralement galvaudé. Dans son ouvrage, "Les Contemporains", Jules Lemaître a écrit : "Plus que toute autre, elle aura connu la gloire énorme, concrète, enivrante, affolante, la gloire des conquérants et des césars. On lui a fait, dans tous les pays du monde, des réceptions qu'on ne fait point aux rois." En 1896, le Tout Paris lui consacra une fête grandiose : la journée Sarah Bernhardt ! Ce jour là, l'échappée lyrique d'Edmond Rostand en l'honneur de Sarah surprit l'auditoire et passa à jamais à l'immortalité. Dans la salle les bravos crépitèrent et Sarah Bernhardt fut canonisée à la postérité.

Puisqu'il faut bien définir son style théâtral, chez Sarah Bernhardt, il s'agit bien sûr du lyrisme… Lyrisme si cher à Sarah, ainsi que le confirme Cocteau et si opposé au style naturel de notre époque. Les spectateurs adoraient que les comédiens clament leurs vers, et la " déclamation musicale " les enchantait. Nous le concevons fort aisément, Sarah vit alors dans l'époque du Romantisme et joue des rôles romantiques à souhait, d'ailleurs elle devient l'un des brillants symboles de ce courant… Tous ces superlatifs peuvent paraître fastidieux mais n'y voyons aucune étrangeté, puisqu'elle nous a laissé en héritage l'adjectif sarah-bernhardesque ! Il aurait été manifestement plus sympathique de vivre à son époque pour mieux la connaître. Son répertoire théâtral est si diversifié que l'on peut, sans prétention le qualifier d'encyclopédique. Cette comédienne complexe et ambiguë révèle dans les rôles masculins d'Hamlet et de l'Aiglon des dons de transformisme et d'androgynisme étonnants. Ne l'a t'on pas surnommé " la sphinge " (forme féminine de sphinx) ! 

Sarah Bernhardt révèle quelques "ficelles de son art, son approche du rôle et nous confie "On m'a demandé bien souvent combien d'heures je travaillais par jour. Je n'ai jamais travaillé un rôle. Je travaille le mécanisme, je l'apprends par coeur, mot à mot : je mâche, je triture les phrases de manière à en être absolument maîtresse dans la rapidité du dialogue, mais une fois que je sais parfaitement mon texte, que je le tiens par l'articulation, je ne m'en occupe plus. Tout ce que je dois donner dans la douleur, la passion ou la joie, je le trouve à la répétition dans l'action même de la pièce. [...] On ne doit pas chercher une pose, un cri, rien! On doit tout trouver là en scène, pendant l'effervescence du travail général." Dès que l'osmose avec le public réapparaît, cette complicité si particulière à la fois charnelle et spirituelle, l'artiste ressent de toutes ses fibre les signes du succès et elle s'exclame aussitôt la pièce terminée "le dieu est venu". 

Parmi ceux qui lui donnèrent la réplique, nommons: Réjane, Mlle Agar, Marie Colombier, Marie Favart, Sophie Croizette et Jane Harding chez les dames. Mounet Sully, Lucien Guitry père du célèbre Sacha, les frères Coquelin: Constant, l'aîné et Ernest, le cadet ainsi que De Max furent ses partenaires de scène...
Chez les célèbres acteurs de ce temps là, citons Henry Irving dont Sarah mentionna le nom dans ses " Mémoires".
Parmi les grands artistes internationaux : la célèbre tragédienne Eléonora Duse, qui a excellé dans le répertoire du dramaturge suédois Ibsen. Et plus proche de nous, chez les jeunes recues: Marie Marquet, l'ultime maîtresse d'Edmond Rostand, amie et protégée de Sarah joua dans son dernier rôle "La Voyante".

Hugo et Rostand arrivent au firmament des favoris. Victor Hugo fut le plus passionné de ses admirateurs et il lui offrit après la représentation de Ruy Blas un pendentif en forme de larme taillé dans le diamant : " La larme du poète ", fort ému par la prestation artistique de Sarah en Doña Sol. 

Plus tard, Edmond Rostand la surnomma pour la postérité " reine des attitudes et princesse des gestes ". Une petite anecdote : lors de la première de l'Aiglon fut installé "le théâtrophone ", le théâtre par téléphone. Ceci, afin qu'Edmond Rostand souffrant puisse l'écouter de son chevet. Le son sans l'image, un événement pour l'époque, en 1900 !

Né dans une famille juive de Turin, Aldo Zargani a été comédien et a longtemps travaillé pour la RAI, où il a occupé des fonctions administratives de 1954 à 1994. Il vit à Rome depuis 1976 avec sa femme Elena.
Il a publié en 1995 un livre fort remarqué Per violino solo dans lequel il évoque son enfance dans les années sombres de l'Italie fasciste entre 1938 et 1945, l'enfance d'un « enfant effrayé et indigné1. » Ce livre a été traduit en français, en anglais, en allemand et en espagnol.
Aldo Zargani estime avoir fait deux expériences déterminantes dans sa vie: la première est celle d'une enfance juive dans l'Italie des lois raciales, la seconde, à l'âge de 61 ans, l'écriture et la publication d'un livre, Per violino solo, qui pour revenir à la première, fait appel à une mémoire désormais lointaine, parfois infiniment précise, parfois conduite comme malgré elle sur les chemins de la fiction.
C'est ce rapport au passé et à la vérité, presque expérimental, qui confère à ce livre, sa force unique, au-delà même de l'humour et de la grande vigueur littéraire de l’auteur. Trois de ces nouvelles, toutes inédites en italien, ont été publiées en 2008 chez Alidades, sous le titre de L'Odeur du lac.

Pour violon seul : mon enfance dans l’en-deçà, 1938-1945
de Aldo Zargani
Editeur : Eclat

RÉSUMÉ DU LIVRE
Depuis que le père de l'auteur est renvoyé de l'orchestre de la Radio diffusion italienne, du fait des lois raciales anti-juives, l'enfance d'Aldo Zargani se déroule entre les déménagements à la sauvette, les errances tragi-comiques d'une ville à l'autre, sans que jamais l'espoir de retrouver la lumière ne soit perdu. L'auteur relate les premiers émois amoureux, la peur, l'amour des proches.

Elias Jacques Canetti, fils d'une famille juive séfarade, naît en 1905 dans la ville de Roustchouk (actuellement Roussé) sur la rive sud du Danube en Bulgarie à la frontière roumaine. Ses parents, Jacques Elias (Elieser) Canetti et Mathilde née Arditti, sont issus tous deux de familles de commerçants juifs séfarades fortunés.
De nombreuses nationalités, ethnies et langues se croisaient dans cette région. Canetti lui-même, dans le premier tome de son autobiographie, le commente : « (...) et l'on pouvait entendre parler sept ou huit langues dans la journée. Hormis les Bulgares (...), il y avait beaucoup de Turcs (...) et, juste à côté, le quartier des séfarades espagnols, le nôtre. On rencontrait des Grecs, des Albanais, des Arméniens, des Tziganes. Les Roumains venaient de l'autre côté du Danube (...). Il y avait aussi des Russes, peu nombreux il est vrai. ». À la lumière de son œuvre, on comprend que cette multitude de cultures est symbolique d’un état d’esprit européen avant la lettre chez Canetti et a en fait présagé de son futur cursus culturel à travers l’Europe. La première langue qu’il parle en famille est l’espagnol des séfarades : le ladino.
Bien que la Bulgarie obtienne son indépendance totale vis-à-vis de l’Empire ottoman en 1908, Canetti conservera la nationalité turque. Deux frères naissent en 1909 et 1911, respectivement Nissim et Georg.
En 1911, la famille déménage en Grande-Bretagne à Manchester pour que son père puisse rejoindre l’affaire florissante montée par deux de ses beaux-frères suite au décès de l'un d'eux. Puis en 1912, c’est la subite mort du père de Canetti à l’âge de 31 ans. Après ce traumatisme, les Canetti décident de déménager à Vienne en Autriche; ils s'arrêtent en chemin à Lausanne en Suisse, pour quelques mois : c’est là que Mathilde prodigue à son fils, de manière très coercitive, ses premières leçons en langue allemande, uniquement utilisée auparavant entre elle et son mari. L'allemand, si l'on tient compte de toutes les langues parlées dans la famille, n'arrive qu'en cinquième position dans l'éducation du jeune Elias. Il s'agit pourtant de sa deuxième « langue maternelle » stricto sensu. C'est uniquement avec cette langue qu'il bâtira son œuvre, et il lui restera fidèle en tout temps, même en exil.
En 1916, les Canetti quittent l’Autriche et s’établissent à Zurich en Suisse : Elias va passer la plus marquante partie de son adolescence dans cette ville avec laquelle il tissera des liens singuliers. Rapidement et pour des raisons de santé, Mathilde retourne à Vienne et son fils aîné reste seul à Zurich, confié à un pensionnat de jeunes filles (où il est l’unique garçon), afin de pouvoir mener à terme ses études au Gymnasium (lycée). Il passera en 1924 son Abitur (baccalauréat) à l’issue de trois années scolaires passées à Francfort, en Allemagne. À cette époque, c’est déjà le monde de l’art et de la littérature qui le séduit, mais sa famille le presse de suivre un cursus universitaire sérieux.
On sait Canetti fort préoccupé par la connaissance que pouvaient apporter les premiers mythes de l'humanité. Poursuivant ma lecture des Années anglaises, j'avoue que tel article paru dans The Independent le 11 juin, ne laisse pas de me fasciner et fait écho en somme aux intuitions les plus profondes de l'auteur, même si nous ne savons encore rien de la langue parlée par la civilisation première, j'ai envie d'écrire : primesautière, dont il est fait mention dans ce papier. 
En 1947, Canetti écrivait significativement (Le territoire de l’homme , Le livre de poche, coll. Biblio, 1998) : «Pour moi, les mythes signifient plus que les mots. Par cela, je diffère profondément de Joyce. Mais j’ai aussi une autre façon de respecter les mots. Leur intégrité m’est presque sacrée. […] En tant que poète, je vis encore au temps d’avant l’écriture, au temps des appels». Et encore, cette fois dans les Notes de Hampstead (Le Livre de poche, coll. Biblio, 1999) : «Les noms : de tous les mots, les plus énigmatiques. Une intuition, qui me poursuit depuis des années et provoque en moi un trouble grandissant, me dit que l’élucidation de leur nature réelle nous livrerait la clé de l’Histoire. […] Il est évident que tout mythe se rattache au nom. Dans le mythe, le nom est encore frais [c'est moi qui souligne]. Dans les religions, il s’épuise en se démultipliant. Les grandes religions représentent le plus énorme épuisement de noms qu’on puisse imaginer, tout en leur restant liées même dans cet état d’extrême dilution». 
Elias Canetti, Les années anglaises

Après les trois volets de son autobiographie - La langue sauvée, Le flambeau dans l'oreille et Jeux de regard -, Elias Canetti, prix Nobel de littérature et témoin majeur du XXe siècle, s'est penché sur ses " années anglaises ". Rassemblée et ordonnée après sa mort en 1994 à l'instigation de sa fille, cette suite fragmentaire et inachevée de l'" Histoire d'une vie " mêle journal intime et galerie de portraits. Emigré à Londres dès 1939 avec sa femme Veza, Canetti se fait le témoin de l'Histoire et brosse un brillant panorama de la vie britannique pendant et après la guerre. De l'aristocrate au balayeur des rues, il observe avec curiosité les mœurs et le caractère des Anglais, peinant lui-même à s'intégrer dans ce monde dont il dénonce la suffisance et la froideur sous le masque de la courtoisie. Gens de lettres, savants, historiens, politiciens sont croqués avec une causticité redoutable, comme T.S. Eliot, Iris Murdoch ou Margaret Thatcher. Mais Canetti côtoie également, avec plus de bonheur Kokoschka, Bertrand Russell ou Anna Mahler, et se fait une poignée d'amis précieux, Anglais ou Viennois émigrés comme lui. Outre leur intérêt documentaire, ces réflexions et ces portraits reflètent la personnalité profonde et secrète de l'auteur de Masse et puissance, œuvre majeure dont il entreprend la rédaction à Amersham pendant le Blitz.




Peu de choses, dans cet ouvrage, sur les noms, leur pouvoir étrange car, hormis quelques savoureuses anecdotes sur des personnages anglais célèbres (comme le rire démoniaque de Bertrand Russell, la hargne avec laquelle Kathleen Raine cherche à gravir les échelons de la société, encore l'intelligence d'Enoch Powell et un portrait au vitriol d'Iris Murdoch, ancienne maîtresse de l'auteur), la lecture de ces Années anglaises posthumes n'est pas d'un intérêt fondamental pour le lecteur familier des principaux ouvrages de Canetti. L'ouvrage, selon Jeremy Adler qui en a écrit une éclairante postface, constitue un «véritable panorama de la vie anglaise», dont les trous et les béances, que Canetti acceptait comme le témoignage du nécessaire inachèvement de toute vie (et, de façon remarquable, de toute vie de créateur), avaient pour charge secrète de triompher de la mort de l'auteur, en obligeant le lecteur à accepter de ne point tout savoir et, partant, à admettre qu'il en savait moins que le rusé fantôme de l'écrivain. Il est étonnant tout de même de constater la facilité avec laquelle Canetti, exilé à Londres dès 1939 et jusqu'en 1971, a pu sans trop de peine fréquenter tout ce que l'Angleterre comptait d'intelligences et de célébrités, comme T. S. Eliot, l'immense poète pour lequel il n'a jamais de mots assez durs (ainsi parle-t-il des «crachats d'un raté» à propos des vers d'Eliot), alors que ses goûts littéraires (et peut-être aussi son amitié, qu'il ne mentionne guère) allaient vers un autre poète, Dylan Thomas. A le lire, lui, le pauvre écrivain allemand dont seulement quelques lecteurs anglo-saxons passionnés connaissaient à l'époque son roman, Autodafé (Die Blendung), il semblerait tout de même qu'il ait pu devenir le centre d'attraction des raouts les plus prisés, un peu à la façon dont George Steiner, dans Errata, évoque lui aussi ses prestigieuses amitiés, dont quelques-unes si je ne m'abuse étaient bien connues de Canetti (comme Bertrand Russell). Je ne puis résister au plaisir de noter (p. 53) cette remarque borgésienne dans les entrelacements qu'elle suppose : «Il [H. N. Brailsford] s'intéressait alors à tout ce qui avait trait aux Balkans mais aussi aux juifs d'Espagne et avait acheté à vil prix sur un barrow l'ancienne édition (XVIIe siècle) de l'histoire des Turcs, de Rycent. Cet ouvrage est d'une grande importance parce qu'il contient une biographie de Sabattai Zevi écrite à son époque. Brailsford m'offrit ce livre pour la seule raison que j'étais juif d'origine espagnole. C'était l'ouvrage le plus ancien de ma bibliothèque et il valait sûrement une fortune. Je l'offris plus tard à Gershom Scholem lorsqu'il me rendit visite à Hampstead.»

David Rosenmann-Taub est né le 3 mai 1927 à Santiago du Chili dans une famille d’origine juive émigrée de Pologne. Poète et compositeur de musique contemporaine, il étudie la philologie hispanique à l’Université et publie, à l’âge de 22 ans, son premier recueil, Cortejo y Épinicio, qui suscite l’engouement de la critique. Après le coup d’état de 1973, il quitte le Chili, voyage en Amérique latine et en Europe, puis s’installe aux États-Unis où il poursuit dans la discrétion une œuvre exigeante, originale et profonde, qui fait de lui l’une des grandes voix méconnues de la poésie contemporaine.

Il enregistre un grand nombre de ses compositions pour piano. Parmi celles-là: Abecechedario (Abécédaire), Morir para Nacer (Mourir pour Vivre) et Fuegos Naturales (Feux Naturels).
Il rassemble la collection de ses propres dessins exécutés au cours de sa vie, dont la série Alarde (Parade), et La Bofetada (La Gifle). Il continue à dessiner.
Il écrit d’abondance. Il révise le second, le troisième et le quatrième volume de Cortejo y Epinicio, La Mañana Eterna (Le Matin Éternel), et les douze volumes de Los Despojos del Sol. Il prépare une édition de El Cielo en la Fuente avec ses propres commentaires, et un livre de commentaires sur une sélection de ses poèmes, qui est en train d’être traduit en anglais et en français. Ses oeuvres poétiques, quand elles seront publiées dans leur totalité, compteront plus de quarante volumes.

En 2000, Corda, fondation à but non lucratif, est créée pour préserver, disséminer, et étudier l’oeuvre de Rosenmann-Taub.

En 2002, LOM ediciones publie une nouvelle édition de Cortejo y Epinicio (Volume I) ; en 2003, El Mensajero (Le Messager), Volume II de Cortejo y Epinicio ; en 2004, El Cielo en la Fuente et La Mañana Eterna (Le Ciel dans la Fontaine et Le Matin Eternel) en un seul volume, et País Más Allá (Pays Au Delà) ; en 2005, Poesiectomía (Poésiectomie) ; en 2006, Los Despojos del Sol, Anandas I et II (Les Restes du Soleil), et En un lugar de la Sangre (Dans un lieu du Sang), recueil accompagné d’un CD et d’un DVD; en 2007, Auge (Expansion) ; en 2008, Quince (Quinze), livre de commentaires par l’auteur sur quinze de ses poèmes, avec un CD dans lequel il les lit ; en 2011, La Opcíon (L’Option), volume III de Cortejo y Epinicio.

Traductions de son oeuvre et anthologies :

Italie : E poi, il vento, Andrea Lippolis Editore, anthologie bilingue de Sabrina Costanzo (2010)
Espagne : Me incitó el espejo, DVD Ediciones, anthologie de Álvaro Salvador et Erika Martinez (2010)
India: Quince, Kaurab editions, Kolkata, traduit en Bengali par Subrahnsu Banerjee (2010)
Mexique : El horizonte cruza la casa, Collección “La Abeja De Perséfone”, anthologie de Victor Toledo (2011)
France : Cortège et Épinicie, Éditions Bruno Doucey, édition bilingue de Cortjeo y Epinicio I, traduction de Luc Brébion (2011)
Argentina : Multiverso, Editorial Mansalva, anthologie de Jorge Monteleone (2012)

C'est ici que je termine l'histoire des juifs d'Europe,   depuis Vienne jusquà nos jours, histoire que longtemps j'ai méconnue, nos parents et grands-parents l'évitaient avec la crainte de devoir en parler, occultée.

j'ai ici fait un devoir de mémoire en hommage aux artistes, écrivains, peintres, musiciens d'origine juives et tout ceux et celles qui ont péri aux camps et chambres à gaz.

 Le monde ne sera sauvé, s'il peut l'être, que par des "insoumis". Sans eux, c'en est fait de notre civilisation, de notre culture, de ce que nous aimions et qui donnait à notre présence sur terre une justification secrète." André Gide

André Gide

Après la guerre, Lenke Rothman est transportée par la Croix-Rouge à Malmö.
Le père de Lenke Rothmans est enterré dans une fosse commune à Wels en Autriche, son frère a survécu et est arrivé en Suède en 1947. En Suède Lenke soigne dans les hôpitaux et les sanatoriums pendant six ans. elle commence la peinture.

Lenke étudié la peinture dans les années 1950 à Konstfack. Jusque dans les années 1970la peinture a été son moyen d'expression principal, puis elle est s'engage dans des formes de collages et mixtes. Ce sont surtout les travaux ultérieurs, de collages et d'assemblages avec des matériaux mixtes, qui ont fait sa renommée. Elle a réuni des dessins de tissu, maille, papier brûlé (méthode étudiée au Japon) et les objets trouvés dans les œuvres d'art fragile, forte et expressive Ces travaux portent à la fois la douleur et de la réconciliation, ils sont comme des incantations, des images, des personnages, des représentations de ce que les mots ne peuvent exprimer.



Elle a également travaillé avec des sculptures, des livres et des films.Dans ses souvenirs reviennent art et les dépôts des événements traumatisants de sa jeunesse. L'une de ses dernières oeuvres célèbres sont "Songs" à partir de 1995, une sculpture permanente au Musée de Göteborg de l'art. s La sculpture est un moulage d'un tronçon de rail à laquelle est attaché est une boule colorée. Contrastes entre ces objets du quotidien et les associations qu'ils donnent ne laisse personne indifférent .

En 1960, Lenke Rothmann sa première expositionà la Galerie Sture. En Février de cette année a ouvert ses cadeaux dernière exposition de la culture Dunkers à Helsingborg. Il a été montré qu'en mai 300 de ses peintures, collages, sculptures, objets, livres et films, où elle parle à Andy Warhol. Thème dans la plupart des œuvres étaient la perte, de la vulnérabilité .” Dans une interview en 2005, elle a déclaré : «La question qui m'occupe est de savoir comment la vie doit être sauvegardé et préservé de la destruction en cours."

Je me rappelle la première rencontre. J'avais treize ans.
D'abord, il me toisa. Debout. Adossé contre le mur. Premier trouble. Odeurs de feuilles mouillées, copeaux charnus, sapins d'automne. J'osai le toucher. Vernis lisse, doux. Ses bras. Son corp

Anita Lasker-Wallfisch

s de bois contre le mien, jusque dans la chaleur du cou. Entre mes jambes, ses courbes de salamandre.
L'archet s'orienta, telle une branche cherchant le soleil ou la flaque de pluie. Je ralentissai mes gestes, les précisai.
Je le découvrais, peu à peu. Timide et fascinée.

Première caresse. La corde tinta, crissa. Bruit de pièce retombant pile-face sur la pierre froide du sol.


,Crin trop forcé.
Second coup d'archet, plus clair.

L'âme du violoncelle emmène loin dans une vie, elle donne à ce point la force d'affronter les choses que sa chair d'écorce reste à demeure en vous.
Un luthier, toujours aujourd'hui, à chaque exil me porte dans ses bras, me protégeant, m'enveloppant dans la tradition de Crémone comme dans son manteau.

A cet instant de la rencontre, entre mes pieds et les étoiles, l'infini était devenu le lieu où je jouais.

Sylvie-E. Saliceti

Sonia Wieder-Atherton, Prière, extrait de Chants Juifs,